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English version below

 

Mathias Siebert

Bilder entwickeln eine eigene Logik, wenn alles Darstellende ausgeblendet und der einzig verbleibende Gegenstand des Bildes dessen Materialität ist. Denn die bildimmanente Logik erschließt sich erst während des Studiums der tatsächlichen bildnerischen Mittel. Betrachtet man die Gesamtheit der Arbeiten Peter K. Kochs, wird aus der singulären Logik des einzelnen Bildes ein Muster. Es sind die Prinzipien geometrischer Abstraktion, Dekonstruktion sowie der gestalterischen Umsetzung materieller Eigenheiten in eine geschlossene, nur auf sich selbst bezogene Form, die er aufs immer Neue variiert. Den inneren Zusammenhang der Variationen liefert das gemeinsame Thema der Reduktion sowie der Grenzgang zwischen eindeutigen Gegensätzen: was aus der Ferne perfekt erscheint, offenbart bei näherer Betrachtung ungeschönte Brüche und eine vermeintliche Fläche stellt sich als räumliche Konstruktion heraus.

So werden monochrome Segmente in regelmäßigem Raster zu Objektbildern (o.T. (Lamellen), 2011 und  o.T. (Tomorrow), 2013), deren malerischer Reiz unter anderem darauf gründet, dass die leicht konkaven Verformungen der einzelnen Elemente das Licht unterschiedlich reflektieren und so als Verlauf wahrgenommen werden. Die Wahl kräftiger Farben folgt dabei eigenen Aspekten, die in der Betrachtung einer Bildreihe umso eindringlicher das Prinzip der Variation unterstreicht. Die offensichtliche Referenz an den Minimalismus kommt dabei nicht als gewaltiges Erbe des bloßen Zitierens daher, sondern besitzt in seinem Werk eine zwingende, aus der künstlerischen Idee abgeleite Eigenständigkeit.

Das gestalterische Prinzip monochrom bemalter, zu einem Bild geordneter Segmente benutzt Peter K. Koch in einer weiteren Serie (Nein, Nicht, 2011), in der zudem rudimentäre Spuren eines semantischen Gehaltes aufblitzen. Doch das vermeintlich Zeichenhafte ist gar nicht da, ist vielmehr herausgeschnitten, so dass eine negative Kontur entsteht und so selbst zum Inhalt wird. Diese Arbeiten verdeutlichen sein Interesse an der untrennbaren Verbindung von Form und Inhalt, der Bedeutung von Farbe sowie dem Verhältnis von Fläche zu Raum. Die Farbfelder, durch ihren Anstrich leicht an den Rändern aufgeworfen, entfliehen der Fläche und deuten an, dass ein Bild bei Peter K. Koch zugleich eine bildhauerische Arbeit ist, die an Volumen gewonnen hat und den Raum erobert. So auch in den neueren großformatigen Arbeiten (o.T. (Simple Present), 2013), die in ihrer indifferenten Erscheinung im Grenzbereich zwischen Malerei und Skulptur ganz entschieden diese Grenze zwischen Zwei- und Dreidimensionalität thematisieren. Ein weiterer Blick ins Werkverzeichnis und auf die Serie der hochglanzpolierten Hohlkörper (Schnitte, 2007/8) unterstreicht dieses Prinzip, wenn deren vorher geschlossene Volumen die Bildelemente erst durch das Herausschneiden sichtbar machen und mit dieser Inversion ins Negative zugleich das gestalterische Prinzip der Reduktion fortführen, weil man plötzlich sieht, was nicht mehr da ist.

Schon längst ist hier die überbordende Fülle früherer Arbeiten Peter K. Kochs einem planvollen Aufbau gewichen und wurde die Vielzahl malerisch übereinander gelegter und ineinander verschränkter Ebenen mit ihren polygonalen Formen auf eine reduziert. Vollzog der Künstler die Sprengung des Bildraumes früher mit rein malerischen Mitteln und somit illusionistisch, haben seine neueren Arbeiten den Übergang selbst zum Thema, und operieren auch physisch an der Grenze von Fläche und Raum. Und dass die Untersuchung dieser Grenze selbst grenzenlos ist, veranschaulicht die Serie o.T. (Antikontur), 2011, in der auf Papier gedruckte grafische Elemente erst längs und quer gefaltet und anschließend fotografiert werden. Als künstlerisches Ergebnis bleibt die Fotografie und die realen Aufwerfungen und Verletzungen des Papiers an den Knickkanten werden so wieder auf eine flache Ebene zurückgedrängt und lediglich die Illusion der Räumlichkeit bleibt bestehen.

Peter K. Kochs Bilder besitzen eine Logik die verwirren kann. Die Prinzipien seiner künstlerischen Arbeit sind bei weitem mehr als bloße Umschreibungen formaler Mittel, und so öffnet sich hinter der Gestalt und Oberfläche der Werke ein weites Feld ästhetischer Analysen und systemimmanenter Verweise. Letztlich ist es die Dialektik von Form und Inhalt und der engmaschige Wechsel in der Wahrnehmung zwischen Objekten von bildhafter Qualität und Bildern von skulpturaler Präsenz, die sein Werk auszeichnet.

 

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Pictures develop a logic of their own when all that is portrayed is concealed and the sole remaining subject of the picture is its materiality. For the logic immanent to the image is revealed only by studying the pictorial means actually used. If one examines Peter K. Koch’s oeuvre as a whole, a pattern emerges from the singular logic of the individual image.

This logic comprises the principles of geometric abstraction, deconstruction and the aesthetic realisation of material properties in a cohesive, self-referential form, which varies in ever new manifestations. The common subject of reduction and the boundary crossed between distinct antitheses establish an inner relationship between the variations: what seems perfect from afar exposes – on closer examination – unadorned ruptures, while a suspected surface turns out to be a spatial structure.  

Hence, monochromatic segments in a regular grid turn out to be object images (no title (Lamellen), 2011 and no title (Tomorrow), 2013), whose attraction as paintings is based, among other things, on the fact that the slightly concave deformations of the individual elements reflect the light in different ways, so that they are thus perceived as a process. The choice of powerful colours is based on specific considerations which, as an examination of a pictorial series reveals, emphasise the principle of the variation even more vividly. The obvious reference to minimalism does not appear as a powerful legacy of mere citations, but possesses – in his work – a compelling independence derived from his artistic idea.

In another series (Nein, Nein, 2011), Peter K. Koch employs the creative principle of monochromatically painted segments, arranged to create a picture, in which rudimentary traces of a semantic contact appear. However, the ostensibly figurative level is totally absent, or rather cut out, thereby creating a negative contour and thus becoming the content itself. These works reveal his interest in the indivisible relationship between form and content, the significance of colour, and the relationship between a two-dimensional area and three-dimensional space. The fields of colour, raised slightly at the edges by a coating of paint, flee from the surface, thus suggesting that, for Peter K. Koch, a picture is also a sculptural work that has grown in volume and is now conquering three-dimensional space. This is also true of his more recent, large-format works (o.T. (Simple Present), 2013), which, in their indifferent appearance in the threshold between painting and sculpture, quite decisively thematise the border between two- and three-dimensionality. A further look at both his catalogue of works and his series of highly polished hollow bodies (Schnitte, 2007/8) underscores this principle, even though their previously hermetic volumes render the pictorial elements visible only after they have been cut out and, inverted negatively, simultaneously continue to apply the artistic principle of reduction, because one can suddenly see what is no longer there.

The over-proliferation of earlier works by Peter K. Koch has long since given way to a planned approach, and the multitude of painted levels, which are superimposed upon one another and interlocked with their polygonal forms, have been reduced to one. Whereas the artist used to explode the pictorial space with purely painterly means, and thus illusionistically, his more recent works thematise the transition itself and operate physically, too, on the boundary between two-dimensional and three-dimensional space. And the fact that examination of the boundary itself boundless, is illustrated by the o.T. (Antikontur) series, dated 2011, in which the graphic elements printed on paper are first folded lengthwise, and then at right angles, before being finally photographed. As an artistic result, photography and the real bulges and damage done to the paper along the folded edges are then pushed back onto a flat surface, so that only the illusion of three-dimensionality remains.

Peter K. Koch’s pictures obey a logic that is sometimes bewildering. The principles underlying his artistic work are far more than mere circumscriptions of formal means. As a result, so that a broad field of aesthetic analyses and system-immanent references reveal themselves behind the gestalt and surface of his works. Ultimately, it is the dialectic of form and content, as well as the closely meshed transformation in the perception between objects of graphic quality and pictures of sculptural presence that ultimately distinguishes his oeuvre.

Translation: Robin Benson

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